UNIVERIA ZEKT 1972

"Le but est de composer un album à la fois totalement dans la veine de Magma, mais en plus accessible."

UNIVERIA ZEKT : The Unnamables 1972

En 1972, Magma est un phénomène musical national. Détesté ou adulé, l'orchestre Jazz du batteur Christian Vander ne laisse pas indifférent. Soutenu par la presse musicale spécialisée, en particulier Rock&Folk, Magma est respecté pour son audace et son originalité, et les concerts font le plein, malgré des conditions parfois précaires. Il faut dire que la France ne sait absolument comment organiser un concert. La sonorisation est déplorable, et les circuits d'organisateurs plus que lamentables, au point de faire fuir la majeure partie des groupes anglo-saxons de renom durant la première moitié des années 70. Led Zeppelin en fera l'amère expérience lors de sa tournée 1973, annulée au bout de trois concerts suite à des émeutes et la destruction de leur matériel. Les Who se verront couper l'électricité lors de leur passage à la Fête de l'Humanité en 1972 par les autorités.

Tourner en France est une gageure quand on est un groupe dit Pop, et encore plus quand on est français et que l'on fait une musique qui sort des schémas de la variété française. Et encore, l'écoute d'un live de Johnny Hallyday ou d'Eddie Mitchell à la fin des années 60 laisse pantois devant la nullité des équipes techniques et la sonorisation des salles. Magma tourne donc avec son matériel, dans le circuit des clubs de Jazz, des MJC, des petits théâtres et des festivals, attirant un public Pop fidèle.

Pour ce qui est des ventes de disques, par contre, ce n'est pas le succès commercial total. Incompris, mal distribué par leur maison de disques Phillips, Magma peine à vendre des disques à grande échelle, et donc à vivre de sa musique correctement. Christian Vander sait que l'utilisation du langage Kobaïen peut être un frein autant en France qu'à l'étranger. La Grande-Bretagne et le Nord de l'Europe seraient plus ouverts à la musique dite progressive, même à des groupes particulièrement audacieux. Le Jazz-Rock brille sur les grandes scènes, Mahavishnu Orchestra ou Weather Report connaissent un succès enviable. Magma, qui opère plus ou moins dans cette mouvance, devrait trouver son public. Mais l'absence totale de concession dans la musique de Magma cloisonne les perspectives du groupe.

Afin de tenter une approche plus commerciale, Christian Vander décide d'enregistrer avec les musiciens de Magma un album dont la musique en serait en tous points comparable, mais les paroles seraient en anglais. Dans un souci de ne pas mélanger son concept initial, et afin de se dédouaner de tout à-priori négatif lié au nom, Magma deviendra Univeria Zekt. Ce dernier patronyme n'est pas totalement innocent, puisqu'il était une composante du nom original de l'orchestre de Christian Vander : Uniweria Zekt Magma Composedra Arguezdra.

Vander réunit autour de lui de fidèles lieutenants parmi lesquels Francis Moze à la basse, Klaus Blasquiz au chant, François Cahen au piano, Teddy Lasry et Jeff Seffer aux cuivres. Ils sont rejoints par Tito Puentes à la trompette. Deux démissionnaires reprennent même leur poste : Claude Engel à la guitare et Zabu au chant.

Le but est de composer un album à la fois totalement dans la veine de Magma, mais en plus accessible. Le chant anglais doit ouvrir cette musique unique mêlant Jazz, Rock et influences de l'Europe de l'Est à ce fameux public progressif.

La première face est d'ailleurs composée de morceaux plutôt courts. Néanmoins, dès le début de l'intervention des cuivres à la sonorité si particulière, on sait qu'il s'agit bien de Magma. « You Speak And Speak And Colegram » est un instrumental proche du Jazz-Rock de l'école de Canterbury, et en particulier Soft Machine. Les saxes aux sonorités soyeuses et mélodieuses emmènent l'auditeur sur les terrains rêveurs de ces derniers. Claude Engel se lance dans un chorus à la wah-wah venant flirter avec les fines lames anglaises de la six-cordes.

« Altcheringa », chanté par Zabu, de sa voix rauque, fait se rencontrer le Jazz-Rock et des sonorités Funk, notamment dans la rythmique. Bien que toujours aussi brillant, Vander joue de manière résolument plus carrée, tenant un tempo plus conventionnel, néanmoins assorti de sublimes roulements de toms.

S'en suit l'instrumental « Clementine », tout de guitare acoustique et de flûte champêtre  mélancolique vêtu. Dans l'esprit, on se rapproche de Caravan dans la douceur douce-amère. « Something's Cast A Spell » débute par une introduction très Free-Jazz avant de plonger dans un Jazz-Rock très américain, inspiré par Chicago et Blood, Sweat And Tears. La voix de Zabu rappelle d'ailleurs celle de David Clayton-Thomas. Le tempo est lourd, frisant le Heavy-Rock de l'époque. Mais Univeria Zekt/Magma garde son identité musicale, et ne plonge pas dans les embardées big-band inhérentes aux groupes US.

On sent les quatre premiers morceaux sous influence musicale anglo-saxonne, ouvertement orientés vers des sonorités moins abruptes. La seconde face offre les plus belles pièces de musique de ce disque : « Ourania » et « Africa Anteria ». On constate aussi que ceux-ci sont composés par Vander. La première face était en fait l'oeuvre de Teddy Lasry et François Cahen, ce qui explique l'approche moins Magmaïenne des morceaux. La suite, signée Vander, est évidemment bien plus proche de l'univers des deux premiers albums de Magma.

Personnellement, j'y ai retrouvé le son du morceau éponyme ouvrant l'album Kobaïa en 1970. On retrouve ces cuivres à l'unisson, fluide comme un chant vocal, la basse puissante de Moze et la batterie exubérante de Vander. On retrouve aussi cette mélancolie si particulière, entre rêve et amertume, qui était aussi celle de l'idole du batteur : John Coltrane. Hormis ce morceau, j'ai toujours eu du mal avec les deux premiers disques de Magma. Les morceaux aux rythmiques abruptes, servant de bases à des improvisations dissonantes proches du Free-Jazz final de la musique de Coltrane, me rebutèrent. Avec The Unnamables, je découvris un Magma première période plus accessible, plus agréable, et se rapprochant finalement des longues improvisations entêtantes du Magma à venir avec Jannick Top.

C'est aussi le dernier disque du groupe pour lequel on entendra des cuivres. Par la suite la place sera davantage faite aux guitares, aux claviers et aux voix. Cette rupture musicale fera suite au départ de la totalité des musiciens hormis Blasquiz, obligeant Vander à réappréhender sa musique. Ce départ massif sera en grande partie dû à l'échec cuisant de cet album, non suivi d’une tournée de soutien. Il ne se vendra qu'à 1500 exemplaires, et en fera de fait une rareté.

Magma va poursuivre sa quête musicale en survivant grâce aux concerts, mais aussi aux sessions, notamment avec Eddy Mitchell, sur l’album Zig-Zag en 1972, ou sur des bandes originales de films comme Moi Y En A Vouloir Des Sous de Jean Yanne. L’arrivée de Jannick Top va régénérer la formation, qui va aboutir à l’une de ses grandes œuvres : Mekanïk Destructïw Kommandöh.

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DEEP PURPLE 1970-1972

"Il existe donc un équilibre parfait mais fragile entre tous les musiciens, chacun ayant une part active et équitable dans la contribution musicale. "

DEEP PURPLE : In Concert 1970-1972 1982

Il fut une époque où Deep Purple n'était pas seulement l'un des meilleurs groupes de Hard-Rock de tous les temps, il fut en état de grâce. Il s'agit d'une période furtive, souvent courte, mais durant lesquelles une formation lévite littéralement au-dessus du sol, et où tout ce qu'il joue relève du génie absolu, de la première à la dernière note. Led Zeppelin grimpa sur le toit du monde en 1969 avec ses deux premiers disques, véritables bombes soniques historiques. Sensiblement à la même période, Deep Purple s'installa aussi en apesanteur.

Après seulement deux années et trois albums avec le chanteur Rod Evans et le bassiste Nick Simper, Deep Purple n'est qu'un excellent groupe de Rock symphonique, aussi brillant dans ses reprises que dans ses compositions originales, le Vanilla Fudge anglais. Et puis sous l'impulsion du guitariste Ritchie Blackmore, Deep Purple muta vers le Hard-Rock en recrutant un chanteur agressif, Ian Gillan, et un bassiste mordant, Roger Glover. Mais Deep Purple ne vira pas brutalement Hard-Rock, il y eut une sorte de phase de transition magique durant laquelle Jon Lord eut encore de l'influence, qu'il dut partager avec les idées électriques de Blackmore.

Le quintet doit alors assurer une forme de promotion pour le fantastique troisième album enregistré avec Evans et Simper, Deep Purple, publié en juillet 1969, et enregistre un nouveau simple du nom de « Hallelujah ». Parallèlement, Lord réussit à convaincre le groupe d'enregistrer un concerto avec le London Philharmonic Orchestra conduit par Malcolm Arnold, et capté en direct au Royal Albert Hall de Londres. Le tout sera également filmé. Cet alliage entre musique classique et Rock n'est pas totalement une première, les Moody Blues ayant fait de même un an avant, et ont obtenu le succès avec « Night In White Satin ». Mais ici il ne s'agit pas de compositions Pop accompagnées d'un orchestre, mais bien de pièces de musique originale composées pour orchestres symphonique et électrique. L'ambition du projet est démentielle, mais ne convaincra pas. Pourtant, le résultat est loin d'être ridicule. En tout cas, il montre un groupe en pleine possession de ses moyens, capable de toutes les audaces.

Le premier vrai feu sera un simple regroupant deux nouvelles compositions exceptionnelles : « Speed King » et « Child In Time ». Deep Purple tourne intensément en Europe, mais n'a que peu de matériel nouveau. Il retravaille donc son ancien répertoire : « Mandrake Root », « Wring That Neck », « Hush » ou « Kentucky Woman » deviennent d'incandescentes jams instrumentales, survoltées par le chant furieux de Gillan. Deep Purple n'a plus aucune limite. Blackmore se sent alors à l'étroit avec sa grosse Gibson ES 335 demi-caisse rouge et opte pour l'arme absolue : une Fender Stratocaster Noire, la même que Jimi Hendrix. Précise, au son luisant, dotée d'un vibrato précis et meurtrier, Blackmore possède l'instrument qu'il cherchait depuis le début de sa carrière. Les musiciens de Deep Purple sont totalement épanouis, et voient s'ouvrir devant eux des horizons immenses. La concrétisation de cette période sera le fantastique In Rock en 1970, qui clôt pourtant malheureusement cet état de grâce durant lequel Deep Purple se permit toutes les audaces.

Le disque qui fut pour moi le révélateur de cette époque fut ce double album en direct capté à la BBC à deux époques majeures de Deep Purple : début 1970 et début 1972. Tout y est absolument parfait, de la première à la dernière note. Le son est impeccable, net, puissant, comme si l'on était à côté des musiciens dans le studio. Le quintet y est inspiré, en lévitation totale, sans la moindre longueur. C'est véritablement là que j'ai découvert la force magique de Deep Purple. Made In Japan fut déjà une révélation, mais ici, nous sommes à un niveau encore supérieur, si cela peut être possible.

Le premier set fut capté le 19 février 1970. Deep Purple est encore dans cet état de grâce, In Rock n'a pas encore vu le jour. Désireux d'imposer sa nouvelle musique, le quintet n'a pas arrêté de jouer partout où il le peut, mettant même le feu à ses amplificateurs en Belgique, totalement possédés par la folie du set. Deep Purple dispose d'une petite heure durant laquelle il va capter… quatre morceaux. La présentation du disc-jockey John Peel est cocasse : sa voix calme et posée d'employé de bureau contraste totalement avec la déflagration qu'est « Speed King ». L'introduction de Jon Lord, toute en fréquences souterraines d'orgue Hammond, est magistrale. La basse est très en avant par rapport à la guitare, mais le son global est musclé, tous les instruments sont distincts. L'orgue de Lord n'a pas encore ce son sur-épais, goudronneux, qu'on lui connaîtra. Il utilise déjà l'amplification, mais a conservé l'ampleur sonore baroque des premiers albums. Dans son jeu subtil se mêlent musique classique, Jazz, Blues, et Rock. La guitare de Blackmore est par contre bien plus agressive et présente. On sent l'homme encore hésitant à s'imposer totalement, et il n'a pas encore pris l'ascendant complet sur ses compères. Il existe donc un équilibre parfait mais fragile entre tous les musiciens, chacun ayant une part active et équitable dans la contribution musicale. Cette version de « Speed King », composée fin 1969 et initialement appelée « Kneel And Pray », a du nerf et de la furie, ce qui n'était pas totalement le cas de la première version studio, jouée non pas avec un orgue, mais un piano acoustique. La basse de Glover est capitale, créant une charpente rythmique agressive avec la batterie redoutable de Ian Paice. C'est un parfait soutien pour l'orgue et la guitare, qui propulse les deux instruments leaders dans une autre dimension. Le jeu de Blackmore sur la Stratocaster est plus fluide, plus précis.

Il en va de même pour « Child In Time », interprété par un groupe en pleine possession de ses capacités. Seul Gillan trébuche vocalement sur les notes les plus hautes, sans doute un peu éreinté par les presque six mois de tournée non stop précédents cette captation. Blackmore se montre moins bavard que sur d'autres enregistrements en concert, il se révèle plus concis. Son solo est magique, chaque note est un mot, c'est une ascension vers le cosmos.

Mais le vrai grand absolu de ce concert est la version de dix-neuf minutes de « Wring That Neck ». Cet instrumental initialement gravé sur le second album, Book Of Taliesyn, est ici étendu et transcendé pour aboutir à une véritable jam Jazz-Rock d'une perpétuelle et constante inspiration. Le morceau est démarré sur les chapeaux de roues par un Ritchie Blackmore magique. Les notes sont précises, luisantes de maîtrise. Son jeu est vif, rapide, sans la moindre imperfection. Lord a branché son orgue dans les amplificateurs et jouent sur le contrôle de volume. Cavalcades de notes de guitare et d'orgue, descentes de manches et de claviers, c'est une véritable embardée électro-acoustique. Les deux instruments lead se répondent avec une vivacité et une complicité extraordinaire, rare, sans jamais se marcher sur les pieds. Ils se relancent constamment, s'amusent, s'accompagnent, et remettent constamment du charbon dans la chaudière. Paice et Glover plantent une rythmique en acier trempé, absolument infaillible, sur laquelle Blackmore et Lord peuvent sans soucis appuyer leurs improvisations. Les deux compères se répondent pendant près de dix minutes avant de s'offrir chacun un instant totalement solo. Lord se lance dans une improvisation totalement imprégnée de Jazz et de musique religieuse grégorienne. Paice vient relancer la machine et soutenir Lord dans une une séquence de Jazz Post-Bop ahurissante de brio, avant de laisser la place à Blackmore. Ce dernier va poursuivre avec une séquence inspirée de musique Renaissance, le tout sur sa guitare électrique. Puis le quintet explose en une dernière salve, terminant cette superbe pièce de musique.

« Mandrake Root » clôt le set dans une autre envolée de plus de dix-sept minutes. Gillan chante comme un possédé, laissant tomber le ton crooner de son prédécesseur. Ian Paice fracasse ses caisses comme un dément, Blackmore se prend pour Jimi Hendrix. Le morceau frise par moments avec « Purple Haze ». Puis le tempo se calme, et Paice se lance dans un tempo tribal, presque africain. Lord dégaine en premier, son orgue s'envolant lentement vers une sorte de transe instrumentale, une incantation électrique, un trip que rejoint Blackmore. Lord crée une sorte de climat de château hanté que consolide le guitariste. C'est le sabbat des sorcières. Armé de sa Stratocaster, il brutalise le vibrato, extirpe de ses six-cordes des sonorités arabisantes totalement hallucinogènes. Ce qu'il avait magistralement esquissé sur la version studio du premier album, Shades Of Deep Purple, gagne en vigueur. Lord et Blackmore font une petite pause jazzy, soutenus par la batterie folle de Paice, avant de replonger dans un feu follet de guitare électrique. Lord clôt le morceau dans une dernière agonie d'orgue Hammond, et le public explose devant tant de maestria.

Le second set est d'une autre époque. Deep Purple est déjà dans une autre dimension : il est devenu un immense vendeur de disques, et tous ses concerts font le plein dans les plus grandes salles du monde. Les albums In Rock et Fireball ont connu la consécration, bientôt suivi du nouveau venu, le définitif Machine Head, avec ses grands classiques : « Highway Star », « Space Truckin », « Lazy » et bien sûr « Smoke On The Water ».

Deep Purple revient une nouvelle fois dans le studio de la BBC pour les remercier de leur soutien. Mike Harding, le présentateur de l'émission BBC In Concert, se montre plus enthousiaste, et il a de quoi. Le son est massif, lourd, rageur. L'orgue Hammond est passé à travers une rampe complète d'amplificateurs Marshall, tout comme la Stratocaster de Blackmore. Deep Purple entame avec un nouveau classique : « Highway Star ». Cette version est dantesque, impeccable. Le chant de Gillan est lumineux, le solo d'orgue est d'une précision et d'une profondeur rarement atteinte, et Blackmore est sur un nuage, élevant son solo original, véritable montée vers les étoiles, à un niveau stratosphérique. La batterie et la basse sont bien présentes, lourdes, massives, sans concession. « Strange Kind Of Woman » enchaîne en un Blues râpeux du meilleur effet, faisant ressembler Deep Purple à Budgie. Deep Purple va enchaîner pas moins de cinq nouveaux morceaux de son futur album : « Maybe I'm A Leo », « Never Before », « Lazy », « Space Truckin » et « Smoke On The Water ». Le tout est joué est avec précision et entrain. Le son est magique, les versions au-dessus de leur pendant studio. « Lazy » est déjà une véritable envolée de plus de dix minutes de Boogie infernal sur lequel la guitare de Blackmore fait des étincelles. « Space Truckin » tient sur plus de vingt minutes, hélas déjà encombré par un long solo d'orgue un brin rébarbatif. « Smoke On The Water » est d'ores et déjà d'une efficacité absolue. La batterie de Paice et la basse de Glover enfonce le riff dans le sol comme jamais, et le chant de Gillan a un swing magique.

Le groupe a crée une telle excitation qu'il doit revenir pour un rappel, mais alors pas du tout prévu. Blackmore passe près de deux minutes a accordé une guitare récalcitrante pendant que Lord et Paice meublent avec brio. Deep Purple reprend alors le « Lucille » de Little Richard, en feu complet. Le quintet est sur le toit du monde. Musicalement, ils n'ont pour ainsi dire aucun équivalent, à part les dieux Led Zeppelin. Yes, Jethro Tull, les Who ou les Rolling Stones sont déjà sur le bas-côté. Là encore, l'état de grâce sera de courte durée, le Deep Purple dénommé Mark II explosant en juillet 1973, les relations entre Gillan et Blackmore ayant atteint un paroxysme de haine totale. Le dernier album de la formation, Who Do We Think We Are, sera d'ailleurs bien inférieur à ses prédécesseurs, et il sera temps pour Deep Purple de tourner la page et d'évoluer, pour le meilleur. Pourtant, il n'atteindra plus cette maestria absolue qui fut la sienne entre septembre 1969 et juin 1970, et durant laquelle Deep Purple tutoya le soleil.

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JOHN WETTON

"Et son souffle est encore vivace à chaque archive ressortie de King Crimson ou de UK."

JOHN WETTON 1949-2017

Je n'aime pas les biographies post-mortem, mais je me dois de réparer une erreur. Sur un blog ami, j'ai écrit un commentaire sur un hommage à John Wetton. De manière plutôt laconique, j'ai annoncé qu'il n'avait pas eu une carrière si extraordinaire que cela. J'ai trouvé cela très cruel de ma part à la réflexion. Combien de musiciens aimeraient ou auraient aimé avoir ne serait-ce que la moitié de sa discographie et de son talent ? Des milliers sans doute, et moi, pauvre scribouillard, je me permets de juger que sa carrière ne fut pas si extraordinaire que cela. Comprenons-nous bien, elle ne fut pas un long fleuve tranquille, et fut aussi le théâtre de quelques fautes de goût. Mais bon sang, il y a tout de même de sacrés disques, et rien que cela, je me devais d'être plus objectif.

Né le 12 juin 1949 à Willington dans le Derbyshire, John Wetton est un pur produit anglais post-seconde guerre mondiale. C'est la découverte du Rock'N'Roll, mais aussi du Blues et du Jazz qui le convainc de se mettre à la guitare et au chant. Il joue dans les groupes de son ami Richard Palmer-James dont les Corvettes, Tetrad ou Ginger Man, dans lesquels il se fait la main. Et le garçon a beaucoup de talent, suffisamment pour apparaître rapidement dès le début des années 70 dans quelques formations tout à fait brillantes : Mogul Thrash d'abord, groupe de Jazz-Rock anglais dans la mouvance de Nucleus, puis Renaissance et Family. Il n'y tient que la basse, et éventuellement les choeurs, mais son jeu est déjà d'une richesse suffisante, à vingt-deux ans, pour figurer parmi les meilleurs formations Jazz-Rock et Progressive. Dans Family, il va notamment dévoiler son jeu puissant, véritable seconde guitare, qui va littéralement propulser le vénérable quintet Blues progressif.

Cela est suffisamment probant pour qu'il soit remarquer par le roi du Rock Progressif : le guitariste Robert Fripp, de King Crimson. Dès 1972, Wetton en devient le bassiste-chanteur, dans une mouture qui va laisser des traces musicales historiques aux côtés du batteur Bill Bruford et du violoniste David Cross. Wetton ramène dans son flightcase Richard Palmer-James, qui deviendra le parolier de King Crimson après le départ de Peter Sinfield. Trois albums majeurs sont mis en boîte entre 1972 et 1975, dont le surnaturel Red. Cette formation de King Crimson est plus sombre, plus agressive aussi. La voix profonde et veloutée de Wetton fait merveille, tout comme son jeu de basse, véritable alter-ego de la guitare de Fripp. Wetton et Bruford constitue une section rythmique magique, parmi celles qui feront date au même titre que Entwistle-Moon des Who, ou Appice-Bogert dans Cactus. L'histoire King Crimson se termine brutalement lorsque Fripp décide de mettre un terme à son groupe, convaincu que le Rock Progressif est dépassé, et surtout, épuisé par trois années non stop entre studio et concerts. Des archives ressortent régulièrement via le site officiel de Fripp, toujours exceptionnelles, laissant pantois devant autant d'audace et de maestria, quatre musiciens totalement complémentaires improvisant en permanence. Ces concerts inédits soulèvent autant l'enthousiasme chez les amateurs qu'un nouveau concert inédit d'Hendrix ou de Led Zeppelin, car chaque set de King Crimson était différent. Le live USA publié en 1975 viendra confirmer cet état de fait, même si des pistes de violon furent refaites a-posteriori par un certain Eddie Jobson.

L'aventure King Crimson bouclée, Wetton rejoint Uriah Heep pour remplacer à la basse Gary Thain, parti à cause de gros problèmes d’héroïne. Il figure sur High And Mighty comme modeste sideman, ainsi que sur la tournée. Mais il fomente son retour. Alors que le Punk est arrivé, et que le Progressif est sur la sellette, Wetton forme un supergroupe de Rock Progressif : UK. Il s'agit là d'un équipage de luxe : Wetton à la basse et au chant, Bill Bruford à la batterie, Allan Holdsworth à la guitare et … Eddie Jobson aux claviers et au violon. Alors que le genre semble perdu, noyé par la nouvelle génération du Rock, et que les derniers représentants sont des groupes de trentenaires cocaïnés, UK nettoie le genre. Musique dynamique, les morceaux de UK sont efficaces, mélodiques, mais toujours dotés de virtuosité et de structures musicales audacieuses. Cela est fusionné finement, sans démonstration ostentatoire. Le premier album éponyme est une merveille qui conduit le quatuor sur les routes du monde entier, et fait de UK une attraction scénique demandée.

Hélas, le versatile Allan Holdsworth s'en va, suivi de près par Bill Bruford qui n'aime pas la tonalité des nouvelles compositions. UK décide de ne pas remplacer le guitariste, et recrute le virtuose Terry Bozzio à la batterie. Le second album, Danger Money, est lui aussi magistral, mais ne bénéficie pas de l'écho favorable du premier. Un disque en concert est publié en 1981, mais UK n'existe déjà plus, séparé l'année précédente après une ultime tournée internationale.

A ce moment précis, John Wetton n'est pas encore ce que l'on peut appeler un artiste au succès international majeur. Si King Crimson et UK ont fait connaître John Wetton partout dans le monde, et lui ont permis d'accéder à la reconnaissance internationale de la scène Rock, public comme musiciens, il n'a pas encore fait fortune. Il vit confortablement, mais sans excès, et ne peut se permettre d'arrêter de tourner et d'enregistrer. Toujours sur la corde raide, il n'a pas de mal à participer à des albums. Il va ainsi participer à l'album Number The Brave de Wishbone Ash en 1981. Il se permet également de tenter l'expérience en solo en publiant son premier album sous son nom propre en 1980 : Caught In The Crossfire. On découvre que la tendance musicale naturelle de Wetton est de fusionner les mélodies accrocheuses à une musique plus complexe issue de son passé. L'album ne soulève l'intérêt que des derniers fans de Progressif, sans ouvrir davantage son auditoire.

La vraie opportunité viendra de la formation d'un nouveau supergroupe Progressif : Asia. Le quartet regroupe Wetton, Carl Palmer de ELP à la batterie, de Steve Howe à la guitare et de Geoff Downes aux claviers, tous deux en rupture de Yes. La démarche initiée par UK va se poursuivre avec Asia, à savoir la fusion de la mélodie et de la virtuosité. Asia est déjà ce que l'on peut appeler un groupe de Hard-Rock FM, mais avec toutefois une compétence technique et artistique d'un tout autre monde. Le premier album, Asia, est publié en 1982, et contient le tube écrit par Wetton : « Heat Of The Moment ». L'album, emmené par le simple, se vend à huit millions d'exemplaires. C'est la consécration, le succès international. Wetton devient un musicien majeur, sur le toit du monde. Les salles les plus prestigieuses sont pleines partout sur la planète, et c'est lui, la voix d'Asia. C'est un grand moment pour John Wetton, qui savoure ce sommet de sa carrière à trente-quatre ans. Sa tendance à la boisson s'accentue dans un esprit de fête bien mérité.

Malheureusement, la fête va vite s'arrêter. Des tensions apparaissent rapidement entre ces quatre egos surdimensionnés. Howe part rapidement, et les albums suivants se vendent de moins en moins, malgré des chiffres toujours conséquents, de quelques millions d'exemplaires vendus par le monde. Le destin de John Wetton commence à lui échapper, il perd pied. Il s'en va d'Asia en 1986, et sombre dans l'alcool. La suite de sa carrière, en solo comme dans de nouveaux projets, ne sera qu'une quête vaine pour retrouver le succès de « Heat Of The Moment » d'Asia. Wetton court après les chimères du Rock FM, toujours bien entouré, mais de plus en plus à court d'inspiration. Il sombre dans la dépression. Ce n'est que quand il reprend ses vieux classiques des années 70 qu'il brille, son talent intact. Il devient une attraction pour amateur de Rock Progressif, icône du passé surfant sur une réputation intacte mais écornée par sa santé défaillante.

Wetton reprend peu à peu ses esprits, sort de l'alcool, et trouve la paix avec lui-même. Il admet sa situation, sa réputation, ce qu'il est. Et cela est loin d'être humiliant : bassiste-chanteur de King Crimson, de UK, d'Asia, sideman chez Family, Renaissance, Wishbone Ash, Uriah Heep… il faut avouer qu'il y a tout de même pire comme curriculum-vitae. Alors John Wetton relève les compteurs, entre albums solo, groupes prestigieux, reformations d'Asia ou d'UK…. Les ventes de disques sont honorables, la réputation intacte, et la voix retrouvée.

Malheureusement, c'est écrit, John Wetton ne pourra pas savourer longtemps son bonheur. Il est atteint d'un cancer du colon, qui le ronge durant plusieurs mois. Il se bat fièrement, gardant le sourire dans l'épreuve. A Noël de l'année 2016, il est invité chez les Fripp pour le Réveillon. Quelques photos sur les réseaux sociaux les montrent souriants, riant de bon coeur. Wetton est amaigri mais jovial, ses messages sont porteurs d'espoir. La communauté des fans de King Crimson le soutient dans son combat, qu'il perdra finalement le 31 janvier 2017. La tristesse sera grande parce que John Wetton était un bassiste, un chanteur, et un compositeur de premier ordre, qui a propulsé tous les groupes dont il fit partie entre 1971 et 1985 à un niveau intersidéral. King Crimson n'aurait jamais été le même sans son apport, pas plus que UK et Asia. Même ses participations relèvent le niveau : Family, Wishbone Ash… Il lui suffit de jouer de la basse, ou de chanter, et voilà un disque passé dans une autre dimension.

Alors, je dois avouer être plus critique sur ses albums post-1985, mais lorsque l'on a participé à plus de dix albums majeurs dans sa vie de musicien, on peut largement s'estimer heureux. Et son souffle est encore vivace à chaque archive ressortie de King Crimson ou de UK. Il est évident que l'on ne cerne pas encore totalement l'héritage de John Wetton, car son œuvre n'a pas encore été justement évaluée. 

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JAMES GANG IN CONCERT 1971

"L'électricité jaillit littéralement au visage. "

JAMES GANG : Live In Concert 1971

Il tombe une pluie fine ce matin-là, et je n'ai pas véritablement envie de sortir pour me rendre en cours. C'est une de ces journées merdiques où tout se passera sans la moindre saveur. Les heures de cours vont se succéder dans les salles vieillottes et sales d'un lycée de province construit dans les années 60, avec pour seule perspective ce temps triste par les fenêtres. Une frustration bouillonne dans mon corps. Je n'ai absolument pas envie d'être là, tout m'insupporte violemment. J'ai envie de faire quelque chose de mon temps et de mon jeune âge. J'ai envie de partir de là, prendre la route. Mais je n'ai ni le permis, ni la majorité, aussi, je reste là, dans la salle de cours. Je contemple les branches se pliant sous le vent du mauvais temps, espérant qu'il souffle un peu plus fort pour créer une récréation à cette journée décidément bien morne. Et qu'il souffle peut-être le vent du changement, cette tempête qui me fera sortir de l'ennui, et pouvoir contempler les éléments se déchaîner.

Lorsque je me rendis au lycée ce matin-là, j'avais un morceau dans la tête, récemment découvert : « Stop » du James Gang. La musique de Joe Walsh fut un choc capital dans mon cerveau. Il venait de me prouver que l'on pouvait faire un Rock rugueux et ouvrir l'imaginaire vers des horizons de liberté magique. Bien sûr, d'autres surent m'apporter de quoi alimenter mon cortex en paysages fabuleux : Peter Green's Fleetwood Mac, Rory Gallagher, les Who…. Mais aucun n'avait atteint à ce point cette dimension quasi cosmique du Hard-Blues, ou comment la rage électrique la plus folle pouvait conduire à un niveau d'exaltation intellectuelle aussi ahurissant.

« Stop » bouillonne dans ma tête, son électricité fracassante enluminée de ces circonvolutions Blues canalisant ma colère intérieure pour l'orienter vers ce monde rêvée du Rock de ce début des années 70, libre, vrombissant sous le soleil de la Californie, les rues envahies de voitures américaines aussi mythiques que puissantes. Il me fallut pourtant plusieurs jours pour dompter ce monstre de disque en concert dont « Stop » est extrait. Je connaissais en effet le James Gang studio, c'est-à-dire à la violence maîtrisée et canalisée. C'était déjà du grand art, produit de main de maître par Bill Szymczyk. C'est aussi lui qui va produire ce disque en concert, mais dont la matière première est autrement plus sauvage.

Fondé en 1966 par le batteur Jim Fox à Cleveland, le James Gang est d'abord un quintet qui évolue au fur et à mesure des départs et des arrivées des musiciens. C'est en 1968 que la formation se stabilise en trio avec l'arrivée de Joe Walsh à la guitare et au chant. Le musicien est tellement talentueux qu'il remplit tout l'espace sonore. L'organiste, dernier départ en date, ne sera tout simplement pas remplacé. Premier album, Yer Album, en 1969, d'excellente qualité, avec notamment « Funk #48 », avant l'arrivée d'un bassiste stable, Dale Peters, et la sortie du fantastique album Rides Again. Joe Walsh est encensé par tous les guitaristes de l'époque. Pete Townshend des Who le considère comme le meilleur nouveau guitariste de la planète. Le James Gang assurera la première tournée des Who aux Etats-Unis au printemps 1970, mais aussi de Fleetwood Mac avec Peter Green, ou de Derek And The Dominos avec Eric Clapton. Le succès commercial semble se profiler également. Pas encore en tête de tous les classements, le James Gang commence à se profiler dans les cinquante meilleurs ventes d'albums, ce qui démontre un succès grandissant et encourageant.

Le James Gang ne relâche pas la pression en 1971. L'album Thirds paraît, et le trio joue aux côtés de Grand Funk Railroad, Humble Pie, Led Zeppelin et les Kinks. James Gang est alors une machine scénique affûtée, capable de se mesurer aux meilleurs groupes de Rock du monde. Alors que les ventes d'albums peinent à exploser réellement, Bill Szymczyk pense enfoncer la porte définitivement avec un disque en concert, exactement comme l'a fait Grand Funk Raiload avec son Live Album l'année précédente. Les concerts des 28 et 29 mai au Carnegie Hall de New York seront captés sur bande, l'acoustique de la salle ayant une réputation exceptionnelle. Le disque Live In Concert paraît en septembre 1971.

Afin d'être emblématique sans être onéreux, il a été décidé d'en publier un disque simple. L'objectif est de retranscrire fidèlement l'impact scénique du James Gang sur scène, tout comme le Live At Leeds des Who, et que les ventes soient significatives pour mettre sur un pied d'égalité le trio avec la première division du Rock internationale de l'époque, au niveau particulièrement relevé. Le set complet est donc amputé d'une bonne dizaine de morceaux, ce qui est bien dommage vu la qualité de la musique proposée.

Live In Concert débute donc avec une version dantesque de « Stop », originellement reprise sur le premier album. L'électricité jaillit littéralement au visage. La section rythmique est d'une puissance dantesque, et la guitare de Walsh rugit comme un animal sauvage. Il ponctue en permanence la ligne mélodique de powerchords, créant une tension et une excitation permanente. Le Blues lui brûle les doigts, il enlumine, écrase la wah-wah, se lance dans des chorus furieux, comme un mélange entre Jeff Beck et Pete Townshend. Lors de ces solos, il déforme la mélodie, emmenant le morceau vers d'autres univers, poussé par une section rythmique implacable, avant de revenir au bercail. Walsh n'est pas un guitariste bavard, mais inspiré. Il sait s'arrêter avant que l'improvisation ne passe du sublime à l'ennui. Il n'existe d'ailleurs aucun morceau en studio de plus de six ou sept minutes maximum. James Gang veut créer du voyage intérieur, mais n'a aucunement l'intention de frimer.

« You're Gonna Need Me », une reprise d'Albert King, est un Blues pur. Il est joué avec la frénésie du Blues-Rock blanc, mais plutôt à chercher du côté de Taste et Cactus. La batterie et la basse martèle à l'enclume un tempo massif, obsédant, provoquant la transe. Walsh brode, accélère, explose, ralentit, sussurre. Il joue avec la pédale d'écho, créant des cascades de notes en forme de cris d'oiseaux de nuit, avant de resserrer les cordes sur un Heavy-Blues rageur et crépusculaire, son approche se rapprochant également d'Humble Pie. Mais le groupe ne connaîtra cette puissance électrique qu'avec l'arrivée du virtuose Clem Clempson en décembre 1971 à la place de Peter Frampton, au jeu plus Jazz. Humble Pie sera alors doté de l'instrumentiste capable de transcender ce Blues broyant les os et les tripes.

Après sept minutes et trente secondes de puissance totale, Joe Walsh passe à l'orgue Hammond. On se souvient bien sûr de Joe Walsh guitariste, d'autant plus que ce fut son poste au sein des Eagles. Mais il emmena le James Gang sur les terres d'un Rock entre Californie et lande anglaise. S'inspirant des Moody Blues, de Procol Harum, mais aussi de Crosby, Stills And Nash, il composa plusieurs morceaux mélodieux, enivrant de liturgie païenne. « Take A Look Around » couplé à « Tend My Garden » sont de superbes exemples de cette musique audacieuse, autre facette du James Gang. Walsh ouvrit des horizons insoupçonnés au trio, créant ainsi un groupe à plusieurs visages totalement complémentaires. On se laisse emporter par la poésie des accords d'orgue Hammond de Walsh, ses mélodies mélancoliques, toujours poussées par Jim Fox et Dale Peters, aux jeux dynamiques et souples, apportant un parfait contrepoint à la beauté luxuriante de l'orgue de Walsh.

« Ashes, The Rain And I » est une superbe pause acoustique. Walsh, seul au chant et à la guitare, interprète une composition aux influences de Folk anglais, et aux contours presque médiévaux. On retrouve ces paysages chez les anglais de Pentangle, mais aussi sur le III de Led Zeppelin, « Tangerine », « Gallows Pole »…. c'est beau, intense, et permet de retrouver l'électricité sereinement. « Walk Away » vient tonner dans les amplificateurs. C'est une version grondante. La basse de Peters ronfle littéralement comme le moteur d'un bombardier, la guitare de Walsh tonne dans le ciel. C'est de l'excitation à l'état pure, sans concession.

La majorité de la seconde face est consacrée à une dantesque version de « Lost Woman » des Yardbirds avec Jeff Beck. Le James Gang aime reprendre à sa sauce certains morceaux, les intégrant parfaitement dans son répertoire : « Stop » de Ragovoy et Shuman, « Bluebird » de Stephen Stills…. « Lost Woman » est le théâtre de plusieurs joutes guitaristiques de très haut niveau, mais aussi de démonstrations solo individuelles, heureusement de courtes durées. C'était alors un exercice obligatoire à l'époque afin de notamment satisfaire les egos. Il n'y aura néanmoins pas de solo de batterie de dix minutes, juste une ou deux chacun pas plus. « Lost Woman » s'étend sur dix-huit minutes, et son sommet est incontestablement l'explosion électrique centrale sur laquelle Walsh donne tout, faisant rugir sa Gibson Les Paul comme un avion de chasse. On retrouve ce qui fait aussi l'énergie des Who, ces cathédrales de riffs explosifs soutenues par une rythmique inventive et dantesque. Bien sûr, Peters et Fox ne sont pas John Entwistle et Keith Moon des Who, mais ils ont suffisamment de savoir-faire pour permettre à Walsh de décoller. Joe joue sur les ambiances, fait éclater l'orage avant de revenir à des arpèges luxuriants, les teintant de wah-wah et d'écho. C'est un tourbillon enivrant et constant. Il relance constamment avec un riff, original ou repris comme ici « Mona » de Bo Diddley, incapable de s'arrêter dans l'excitation. Il repart ensuite vers d'autres cieux, les yeux fixant la lumière du soleil. Puis ses deux camarades ont l'occasion de s'exprimer, et lui de boire un coup. Tout le monde se retrouvera sur la reprise du thème comme final.

L'album se clôt ainsi sur ce pinacle de feeling. Live In Concert atteint la 24ème place du classement des meilleurs ventes d'albums au Etats-Unis. Cette fois, James Gang est monté d'un cran, consolidant sa réputation. Le gloire était pour le prochain disque, c'était certain. Mais Joe Walsh en décidera autrement. Epuisé par le rythme infernal concerts-albums, depuis presque trois ans sans interruption, et se sentant de plus en plus à l'étroit musicalement dans le James Gang, il le quitte en décembre 1971. Il se mettra au vert dans les montagnes du Colorado, et fondera Barnstorm avec qui il va composer plusieurs morceaux majeurs de sa carrière comme « Rocky Mountain Way ». Le James Gang poursuivra avec le chanteur Roy Kenner et le guitariste Domenic Troiano, du groupe canadien Bush. Malheureusement, ce choix se révélera malheureux après l'apothéose Joe Walsh. Les deux nouveaux venus, plus ternes tant sur scène qu'en tant que compositeurs, vont davantage replonger le James Gang dans la seconde division du Rock américain. Ils ne retrouveront la lumière qu'avec l'arrivée de Tommy Bolin à la guitare, en 1973.

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